Kavinsky dévoile enfin son premier album : OutRun

Après la sortie de plusieurs E.P. très réussis et un succès planétaire grâce au morceau Nightcall utilisé dans le film Drive, Kavinsky sort définitivement de l’ombre avec son premier album, OutRun.

Vincent Belorgey nous emmène dans une épopée narrant la vie, ou plutôt la survie, de son double zombie, accidenté à bord d’une Ferrari Testarossa en 1986.

Et le Prelude de donner le ton de l’album par une introduction très eighties permettant d’introduire son personnage principal. Le début de l’album est généreux, et la plongée dans les années 80 et 90 prend toute son ampleur avec les morceaux Blizzard et Protovision, dont le clip est sorti début décembre, lorsque l’impatience de découvrir l’album se faisait insistante. Odd Look s’inscrit dans la lignée des deux précédents titres, avec une mélodie plus douce encore, mais l’auto-tune instauré semble en désaccord avec l’ensemble et aurait peut-être mérité d’être écarté.

Ensuite, Kavinsky fait preuve d’audace avec le titre Rampage, pour le moins inattendu. Il s’agit d’un remix façon old school d’un morceau issu de la bande originale du dessin animé Dragon Ball Z! Ce titre s’analyse comme un clin d’œil supplémentaire aux années 90, et outre la musique, le choix de cette série animée phare de l’univers manga n’est pas anodin, puisque Dragon Ball Z et OutRun présentent chacun un aspect héroïque mais funeste.

La seconde moitié de l’album réserve par contre moins de surprises, étant donné qu’on retrouvera des morceaux sortis sur ses précédents E.P. : le très réussi Testarossa Autodrive (2006), Dead Cruiser et Grand Canyon (2007), et enfin Nightcall (2010) qui a placé Kavinsky sous le feu des projecteurs en intégrant la scène d’ouverture du film Drive réalisé par Nicolas Winding Refn.

Restent trois nouveaux morceaux supplémentaires, et non des moindres. Le morceau Roadgame illustre à lui seul l’ambiance épique de l’album et constituera certainement pour l’artiste un morceau idéal pour débuter ses concerts. First Blood est accompagné également de paroles, et bien que l’exercice reste étrange dans cet album, ce morceau y parvient avec plus de réussite que Odd Look et Suburbia. Pour terminer, le morceau ‘Endless’ porte bien son nom puisqu’il amène doucement l’auditeur à voguer vers de nouvelles aventures au côté du zombie Kavinsky, telle la musique qui accompagnerait le générique de fin d’un film des années 80…

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Benjamin Vano

Lancement des soirées ZONE, label de Gesaffelstein et The Hacker

En 2013, The Hacker et son protégé Gesaffelstein ont décidé de promouvoir leur label Zone par une tournée en France et une date à Berlin. Vecteur de la musique techno par excellence, Zone permet ainsi aux habitués des boîtes de nuit de s’initier à ce genre musical par des sets pointus et authentiques.

À peine terminée sa tournée mondiale en duo avec Brodinski, le français Gesaffelstein entame déjà un nouveau projet. En parallèle de la préparation de son premier album, celui qui a explosé l’année dernière repart à l’assaut des platines accompagné de The Hacker, qui a énormément contribué à lancer sa carrière.

Grâce à la programmation depuis le début de l’année de soirées de leur label commun Zone, The Hacker et Gesaffelstein en profitent pour faire découvrir les origines de la musique techno aux participants. Finis les sets de Gesaffelstein composés uniquement de ses propres productions. Si on retrouve bien sûr quelques-uns de ses morceaux phares au cours de la soirée (‘Variations’, ‘Viol’ ou ‘Control Movement’ entre autres) ainsi que son excellent remix du morceau ‘Shockwave’ composé par… The Hacker, les sets des fondateurs de Zone sont délivrés sous forme d’hommage aux pionniers de la techno, notamment celle issue de Detroit. En effet, le duo a fait le choix de minimiser ses tubes, playlistés à travers le globe pendant de nombreux mois, pour se faire plaisir. Le son est violent et les basses explosent sous l’impulsion des morceaux de Jeff Mills, Public Energy ou Laurent Garnier, maîtres du genre depuis les années 90. Le binôme n’en oublie pas pour autant la scène électronique actuelle, insérant dans leur set des morceaux de Bambounou, Maelstrom ou Djedjotronic.

Certes, vous ne pourrez jamais ne serait-ce qu’imaginer approcher les deux artistes, bien à l’abri derrière leurs platines et peu avenants. Toutefois, les soirées Zone offrent la possibilité de se faire un avis éclairé sur la musique techno à l’écoute de morceaux qui illustrent parfaitement l’originalité et la fureur du genre.

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Benjamin Vano

Quand My Bloody Valentine sort de 22 ans de silence

Il aura fallu 22 ans à My Bloody Valentine pour enfin sortir leur troisième album, qui prend des allures de petit miracle. Tout s’est passé très vite, entre l’annonce faite lors d’un concert à Londres, et la mise en ligne de mbv quelques jours plus tard sur leur site internet, dans la nuit de samedi à dimanche. Signe de l’impatience et de l’excitation autour de cette nouvelle, il est rapidement devenu impossible de télécharger l’album sur le site pris d’assaut. Il faut dire que la sortie du successeur du toujours fascinant Loveless, avait fini par devenir une blague entre fans durant les deux dernières décennies, rythmées par une séparation, une reformation, et de multiples rumeurs. Alors comment écrire une chronique détachée et objective quand on fréquentait encore les bacs à sable lors du phénomène Loveless, et qu’il a constitué la BO de son adolescence ?

Difficile de dire aussi rapidement ce que le dernier My Bloody Valentine a dans le ventre, tant leur son est dense et demande de nombreuses écoutes pour livrer ses secrets de fabrication. La question s’impose pourtant d’elle-même : après tant d’années, ce nouvel album était-il nécessaire, est-il à la hauteur des attentes, et qu’apporte-t-il de nouveau à la discographie du groupe ?

A l’écoute de la première moitié de mbv, on peut être partagé. She found now, premier titre, sonne un peu comme un amour d’enfance qui n’aurait pas vraiment changé, baigné dans les guitares enivrantes et le bruit blanc caractéristiques du groupe. On se dit que le temps s’est arrêté depuis 1991, que le disque aurait pu paraître seulement quelques mois après Loveless tant il en est proche dans ses sonorités, et que nous ne faisons que nous réveiller d’un long sommeil. Pas de grands changements sur les premiers titres donc, et c’est dans doute cela qui posera problème à une grande partie du public. Car après 22 ans de silence, on est en droit d’attendre une véritable explosion sonore, une révolution. Et il n’en est rien. My Bloody Valentine fait ce qu’il sait faire et le fait bien, mais Only tomorrow aurait aussi bien pu s’écouter en 1992 sans détonner.

En vérité, il faut attendre la friandise pop New You, et plus encore le virage de In another way, pour retrouver l’énergie d’un groupe qui n’aurait pas cessé d’en vouloir, et se convaincre que la fête n’est pas tout à fait finie. Et pour les plus optimistes, on peut sans doute y voir des pistes pour de futures réalisations.

Il est donc délicat d’avoir un avis réellement tranché sur mbv. S’il est un très bon album de My Bloody Valentine et un successeur cohérent pour Loveless, il n’est pas le chef-d’oeuvre que beaucoup attendaient. Il reste dans la lignée des précédents albums, en respecte les codes et nous permet de retrouver ce qu’on aime chez le groupe, même si certains considéreront que tout a déjà été dit en 1991 et qu’on aurait pu en rester là. Il faut donc concilier le plaisir de pouvoir écouter de nouvelles chansons de My Bloody Valentine, et le sentiment que la révolution n’est pas pour tout de suite, pour enfin apprécier leur retour à sa juste valeur. Il faudra se faire pour l’instant un avis sur format numérique, la sortie de l’album CD et vinyle n’étant prévue que pour la fin du mois de février.

Tracklist :
01. She found now
02. Only tomorrow
03. Who sees you
04. Is this and yes
05. If i am
06. New you
07. In another way
08. Nothing is
09. Wonder 2

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Marion Ségot

Toro y moi, talent confirmé

C’est un jeune homme de 26 ans, originaire de Columbia et ancien étudiant graphiste, qui se cache derrière ce curieux nom de scène. Mais Chaz Bundick de son vrai nom, n’est déjà plus un débutant. Avec deux albums largement salués à son actif, il livre le troisième nommé Anything in return cet hiver.

L’histoire commence, comme pour bon nombre de petits génies, entre les quatre murs d’une chambre, puis avec un premier groupe, plutôt rock et qui finira pas être délaissé pour des productions plus proches de l’électro. Aux influences héritées des vinyles familiaux, s’ajoute son propre goût pour les sons de Sonic Youth, Animal Collective, ou d’autres artistes très pop. Le résultat est si particulier qu’il en devient un style à part entière en 2010, la chillwave, mélange savoureux de synthpop, lo-fi, de sonorités empruntées aux années 1980, ou psychédéliques. Les exemples les plus parlants sont d’ailleurs son ami Washed Out, et Memory Tapes.

Toro y moi nous a donc habitués dès ses débuts à des titres dansants, à la fois groove et électro. Le tout sans pour le moment nous décevoir, et avec les salutations de la presse spécialisée. Et c’est cet esprit pop qu’il dit avoir à nouveau recherché avec Anything in return, sans chercher à coller à telle ou telle tendance, mais avec la plus grande sincérité.

L’ambassadeur de la chillwave continue sur sa lancée avec un album langoureux, amoureux, sans doute davantage que les précédents. Là où ses premiers disques laissaient s’exprimer un esprit très pop, Anything in return met l’accent sur le côté plus sexy de la musique de Toro y moi.

On pourrait frôler l’overdose d’ambiances dégoulinantes, mais il n’en est rien. Au contraire, le tout est maîtrisé et juste. Une franche réussite, encore une fois.

Tracklist :
1. Harm in change
2. Say what
3. So many details
4. Rose quartz
5. Touch
6. Cola
7. Studies
8. High living
9. Grown up calls
10. Cake
11. Day one
12. Never matter
13. How’s it wrong

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Marion Ségot

Un nouvel album pour Youth Lagoon

Le jeune américain Trevor Powers, plus connu sous son nom de scène Youth Lagoon, avait déjà épaté la presse et le public indé en 2011. Il livrait alors son premier album The Year of Hibernation, et sa dream pop comptait parmi les plus agréables révélations de cette année-là.

Il nous avait alors habitués à des mélodies subtiles et propices à la nostalgie, celle de l’enfance, de l’adolescence, et à un chant qui nous parvient de loin en nous laissant la sensation d’être perdu dans la brume. Vissé derrière son synthé et avec sa voix fragile, le petit génie donnait l’impression d’être tout juste sorti de sa chambre d’adolescent, dans laquelle il se serait livré pendant des mois à des expériences sonores. Et nous n’étions semble-t-il pas très loin de la réalité. Avec son clavier et ses atmosphères électro vaporeuses, il nous avait déjà donné pas mal de frissons et bercé avec efficacité nos fins de soirée.

Voilà aujourd’hui son retour annoncé avec un second album, Wondrous Bughouse, et un premier titre, Dropla, déjà disponible. Pas de grands bouleversements à l’horizon, du moins à l’écoute de cet extrait, si ce n’est que Trevor Powers semble être définitivement sorti de sa chambre pour jouer cette fois en plein jour. L’ensemble parait plus franc, la voix moins hésitante, mais la touche planante originelle est conservée. Un premier titre de 6 minutes qui fait son effet, et laisse espérer un prochain album des plus satisfaisants.

Wondrous Bughouse paraîtra dès le début du mois de mars chez Fat Possum comme son prédécesseur, et sera composé d’une dizaine de titres :

1. Though Mind and Back
2. Mute
3. Attic Doctor
4. The Bath
5. Pelican Man
6. Dropla
7. Sleep Paralysis
8. Third Dystopia
9. Raspberry Cane
10. Daisyphobia

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Marion Ségot

Le retour du héros

Dix ans de silence et dix ans de rumeurs inquiétantes sur son état de santé, depuis son dernier album Reality parru en 2003, et des problèmes cardiaques qui l’ont forcé à se retirer de la scène en 2004. La sortie d’un nouvel album ou d’un nouveau titre paraissait alors peu envisageable, et nous n’avions à nous mettre sous la dent que de rares apparitions, comme sur scène aux côtés du groupe Arcade Fire qu’il soutient depuis leurs débuts. Pourtant, comme un cadeau en ce début d’année, David Bowie publie le 8 janvier dernier, jour de ses 66 ans, son dernier titre Where are we now qui annonce la sortie de l’album The next day pour le mois de mars prochain.

Un retour qui réjouit les amateurs de rock pour lesquels il est incontestablement une figure mythique, qui soulage les fans inquiets, et qui laisse imaginer que 2013 sera son année. En effet, une exposition lui sera déjà consacrée à Londres l’été prochain au Victoria and Albert Musuem, et donnera à voir des manuscrits, instruments, ou encore costumes de l’artiste.

Attardons-nous sur ce qui nous intéresse le plus. Where are we now est une belle chanson. Une vraie belle chanson de David Bowie en piano-voix, qui a de quoi rassurer, enthousiasmer, et surtout vous emporter. Le plaisir est inchangé depuis des années. Elle respire la mélancolie, mais aussi le talent, comme toujours. Ce retour tant attendu a cependant un goût assez particulier. Si l’artiste est connu pour son amour de l’art, de l’avant-garde, pour sa capacité à se réinventer continuellement et à toujours avoir un coup d’avance, le temps semble être aujourd’hui à la rétrospective. Une démarche qui pourrait en dérouter et en inquiéter certains, convaincus qu’il est l’heure de faire les comptes pour David Robert Jones.

La pochette de The next day est une reprise de celle de l’album Heroes, paru en 1977, à laquelle un grand carré blanc est sobrement ajouté au centre. La référence à la «trilogie berlinoise», composée de Low, Heroes, et Lodger, et à la période qu’il passa à Berlin dans les années 1970 se poursuit dans le clip réalisé par l’artiste vidéo américain Tony Oursler. Ce dernier est connu pour ses installations et projections d’images sur des sphères, et dont le principe est appliqué dans ce clip. La vidéo a par ailleurs été tournée dans l’immeuble berlinois qu’occupait David Bowie durant ces années, et des images de cette époque sont projetées en arrière plan. Les liens avec sa trilogie sont donc omniprésents.

Mais ce qu’on constate surtout, c’est que ce nouveau titre, et on ose l’imaginer, ce prochain album, sont à nouveau une oeuvre totale. Rien n’est laissé au hasard. Le producteur Tony Visconti avec qui il a déjà l’habitude de travailler, l’esthétique du clip confiée à un artiste contemporain, une nostalgie maîtrisée, et un talent qui force le respect de tous. Il ne faudrait donc pas redouter que cette nouvelle oeuvre ne soit qu’un bilan, elle est sans aucun doute une étape de plus dans la recherche, dans l’évolution du personnage et dans l’ancrage dans son époque. Avec plusieurs décennies de carrière, il donne à bon nombre de jeunes artistes des leçons dans l’art de rester actuel quoi qu’il arrive.

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Marion Ségot

Le nouvel album de Zombie Nation est sorti!

L‘allemand Zombie Nation présente son nouvel album ‘RGB’, 5ème opus qui s’inscrit fièrement dans la lignée de ses précédentes productions.

Si le munichois Florian Seftner pourra au moins se targuer d’appartenir au cercle fermé des producteurs électro ayant franchi la barre des cinq albums, ce qui nous intéresse particulièrement est le contenu du nouveau né, ‘RGB’. Première bonne nouvelle : l’allemand y a exploité tout son talent sans dénaturer sa musique.

Le temps du morceau dance Kernkraft 400, qui a connu un succès planétaire en 1999 une fois remixé, est définitivement révolu. Place à une musique vibrante et purement électronique. Continuation logique de ses précédentes productions sorties sur les labels Dekathlon et UKW, et de sa collaboration depuis 2007 avec Tiga, boss de Turbo Recordings, RGB présente pas moins de 15 morceaux qui ne laissent pas le temps de respirer à l’auditeur.

Et l’album d’annoncer la couleur d’entrée de jeu avec des titres psychédéliques et turbulents tels que ‘Momplays’, ‘Level’, ‘Sigma’, ou plus tard ‘Pony’. Heureusement, Zombie Nation parvient également à associer sa musique techno avec du rythme entraînant et des sonorités plus accessibles, à l’image des morceaux ‘Brownsville’ ou ‘Meathead’. Zombie Nation nous offre également, au cœur d’un album capable de surexciter les foules, un rare mais savoureux temps mort, grâce au titre ‘Main Game’, beaucoup moins ténébreux et plus mélodique que ses autres productions. Si d’autres titres semblent parfois brouillons, comme ‘Sweepy’ ou ‘Jacky’, l’album n’en reste pas moins une réussite qui ne désarçonnera pas les amateurs de l’allemand, mais risque de bousculer les non initiés.

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Benjamin Vano

Flamboyante Owlle

Elle s’est peut-être mise à la musique il y a peu de temps, mais la lauréate du concours Inrocks Lab 2011 fait de plus en plus parler d’elle. L’apparence de la jeune femme, ancienne étudiante aux Beaux-Arts, ne laisse pas indifférent. Avec sa longue chevelure flamboyante et ses tenues bien pensées, on devine que l’idée d’un projet, d’un «concept» bien particulier au delà de la musique a son importance.

Âgée de 26 ans, elle vient de proposer cet automne un premier EP électro-pop, Ticky Ticky, composé de trois titres. Après s’être produite en première partie de Sébastien Tellier, elle suit Lilly Wood and The Prick sur sa tournée actuelle.

Elle arrive à Paris il y a quelques années, et c’est après la rencontre avec une réalisation sonore de Brian Eno dans le cadre d’une biennale d’art contemporain, qu’elle décide de se consacrer à la musique. Elle croise alors le chemin d’un instrument atypique créé dans les années 1980, l’Omnichord, croisement entre une harpe et un clavier aux sonorités parfaites taillées pour ses compositions. Tout peut alors réellement commencer, pour aboutir au succès grandissant qu’elle connaît aujourd’hui.

Car Owlle est sans doute parmi les noms électro-pop français qu’il faut retenir ces derniers temps. Marquée par des groupes trip hop tels que Portishead, on la rapproche souvent des performances de Lykke Li ou Bat For Lashes. Elle dit s’être tournée de préférence vers une musique réalisée grâce aux machines, sans doute plus faciles d’accès pour une autodidacte. Et c’est ce qui lui permet d’obtenir cette musique à la fois pop et sombre qui semble conquérir un public grandissant.

Son projet et ses performances se sont elles aussi développées. Et c’est aujourd’hui son album qui devrait, dès le printemps, être la prochaine pierre de l’édifice.

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Marion Ségot

Quand la Sensualité est faite Musique

Nadéah. Dit comme ça, ce nom ne rappelle pas grand chose. Mais si l’on y ajoute Nouvelle Vague, Charlie Winston, Franz Ferdinand, Aaron, Moriarty ou encore the Do, ça commence à titiller l’oreille. En effet ces artistes ont tous un point commun : ils ont un lien avec Nadéah, cette chanteuse australienne de 32 ans qui a quitté sa terre natale dès ses 18 ans pour aller s’installer, faute de passeport pour entrer en Angleterre, à Paris, ville lumière.

Née d’une mère  portugalo-indienno-slavo-anglaise (oui, pas courant) et d’un père Italien, elle semblait prédestinée pour l’aventure et la bohème, et cela se ressent jusque dans les fondements de sa voix, chaude et voluptueuse, et son physique de grande blonde aux cheveux fous et au regard malicieux.
On ne s’étalera pas sur une biographie longue et ennuyeuse de ses multiples déboires musicaux, mais force sera de souligner sa présence pendant trois ans dans le suscité collectif Nouvelle Vague dont la renommée n’est plus à contester. Contactée par Marc Collin, elle entrera dans le groupe en tant que chanteuse d’une part, mais également pour sa formidable présence scénique, ôtée de tout complexe, où elle mêle habilement sauvagerie, sensualité et élégance, véritable danse féline dans un quasi érotisme musical (voir le ‘Sex Beat ’)…. Chapeau bas.

C‘est justement pendant cette tournée de trois ans avec Nouvelle Vague qu’elle composera son premier album solo « Venus Gets Even » dont la qualité est inégale : on y trouve d’excellentissimes chansons (Odile, Scary Carol), comme des bien moins intéressantes (Suddenly Afternoons), bien que dans la généralité cela reste un bon album. Mais, vous l’aurez compris, le studio est loin d’être le fort de Nadéah, qui adore faire des concerts sauvages en plein Paris pour en envoûter les foules, et rivaliser d’improvisations avec ses musiciens .

Assurément énergique, mais aussi hymne au positivisme et à la rage de vivre, sa musique tirée de bossa nova, jazz, rock et pop prend par les tripes même les plus réticents danseurs et instille ce petit rythme incontrôlable qui vous fera battre du pied inlassablement. Repartie pour une tournée de promotion de son album, on aura l’occasion de profiter de sa présence en France dès février prochain, et c’est à ne pas louper !

Odile

Sex Beat

Scary Carol

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Arthur Bouflet

« DINOSAUR » : un voyage onirique

L‘évolution d’un groupe peut parfois être incroyable. En ce qui concerne les North Odd Preppies elle est complètement invraisemblable. Ceux qui étaient qualifiés de petits fleurons de la Pop Rock Bordelaise il y a à peine un an sont aujourd’hui en passe de devenir pionnier d’une nouvelle vague Indie Pop explosive, j’en veux pour preuve la sortie de leur très récent EP 6 titres « DINOSAUR ».

L‘Univers des North Odd Preppies est riche, tellement riche qu’il s’entrelace d’abord d’une patte visuelle hors du commun, d’une fusion des personnalités et des genres artistiques absolument fructueuse et surtout d’une grande diversité de sonorités allant des nappes psychédéliques aux puissantes rythmiques, tout en passant par l’exploitation de riffs tubesques largement exotiques. Ils impressionnent surtout par la justesse et la subtilité avec laquelle ils vont faire de ce présumé gloubi-boulga de styles et d’influences un ensemble cohérent et calculé. Chaque note, chaque break, chaque lead est calculé, imaginé, aiguisé. Rien ne mène nulle part, le tout fonctionne sur une démarche progressive, pleine de sens. Et pourtant contrairement à la vague actuelle, les North Odd Preppies se limitent à cinq instruments, soit deux guitares, une basse, une batterie et une voix et surtout aucune trace de synthé, bref ils savent en faire beaucoup mais n’en font jamais trop.

Sur le fond, sur l’intention, ils explorent un monde onirique, surréaliste, à la manière d’extraterrestres partis découvrir les recoins de la Terre tout en restant dans un perpétuel voyage. Les 6 titres de l’EP « DINOSAUR » sont tous inspirés d’une température, d’une couleur, d’une localisation, d’une dimension et d’une sensation particulière.

L‘EP est introduit par un tube, JUPITER, un titre accrocheur, aux riffs de guitare japanisants couplés d’une voix aérienne. La basse, elle, marque le temps, à la fois ample et dynamique elle s’accorde à merveille avec la rythmique ondoyante au début et littéralement explosive en fin de titre où l’ascension devient insoutenable tant elle est vigoureuse, celle-ci se conclut enfin par une explosion orgasmique.

Le titre qui suit, n’ayons pas peur de le dire, est un véritable chef d’oeuvre. DINOSAUR, qui prête d’ailleurs son nom à l’EP, est amorcé par quelques nappes de guitares pinkfloydiennes complètement planantes. S’ensuit alors un décollage instrumental combiné de croisements mélodiques intenses et de parties batterie originales et subtiles. Le deuxième thème est aussi ingénieux que surprenant, la voix s’y détache grâce à une mélodie nouvelle parfaitement intégrée. DINOSAUR se distingue de par sa structure complexe et faussement répétée. C’est d’ailleurs à la troisième minute, qu’un pont fait d’une mélodie répétitive et saccadée apparaît. Ses sonorités semblent alors annoncer un avenir plus psychédélique quand soudain, la guitare nous offre un solo, plus lent, plus apaisé, rappelant le calme avant la tempête. Puis, à la manière d’une avalanche qui commence a déferler dans une vallée, l’instru explose littéralement, laissant déborder de son lit comme un torrent pressurisé les sonorités des guitares croisées ainsi que les chocs de la batterie puissante et acharnée.

Le reste de l’EP répond à une digne promesse artistique, celle de la richesse et de la diversité sonore. GINGER UNICORN est probablement le titre le plus sombre de l’EP, très rythmique, il laisse entrevoir des lignes de basse efficaces et pénétrantes. Le titre est particulièrement progressif, les thèmes se répètent tout en se complétant. Le pont est parfait, les mélodies basse et guitares y trouvent une originalité surprenante. Vers la fin, la batterie joue une cloche et le morceaux devient frénétiquement dansant. La version live de GINGER UNICORN n’en finit jamais de monter et monter encore… jusqu’à devenir positivement accablante.

Les deux titres qui suivent: DANCING ON ELEPHANT et GALAX’INCA sont beaucoup plus chaleureux, remplis de sonorités tropicales, et de rythmiques ondulantes. Ils semblent savoir apporter la légèreté nécessaire à l’équilibre général de l’EP.

Enfin, le titre qui conclut ce bel EP : SIOUX STORM semble être le résultat de leurs nouvelles expérimentations. C’est un titre réussi, quasi-instrumental hormis quelques choeurs, il rappelle les plaines d’Amérique du Nord frappées d’un tonnerre galactique. Quoi qu’il en soit ce titre conclut a merveille l’EP et semble assurer que les North Odd Preppies ne sont pas prêt de perdre l’inspiration.

JUPITER

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North Odd Preppies

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MAITRE – CHAT